Urmărește sau sari peste: „The Perfect Match” pe Netflix, prezentarea comediilor romantice cu fosta vedetă Nickelodeon, Victoria Justice, și Adam Demo, vedeta din „Sex/Life”
Urmărește sau nu: „Respect” pe Amazon Prime Video, unde Jennifer Hudson este vedeta biografiei dezamăgitoare a Arethei Franklin
Redă sau sari peste: „Gamestop: Rise of the Gamers” pe Hulu, un documentar amuzant în care cei mai slabi înving giganți malefici
Urmărește sau sari peste: „Elon Musk Crash Course” pe FX/Hulu, NY Times prezintă documentație despre problemele tehnologice legate de condusul autonom al Tesla
Urmărește sau sari peste: Păcatele Amish de pe Peacock, o serie de documente despre abuzul sexual cronic în cadrul comunității Amish
Urmărește sau sari peste: „Look at me: XXXTentacion” pe Hulu, un documentar despre viața și cariera de supernovă a regretatului rapper
„Randy Rhoads: Reflecții asupra unei icoane a chitarei” examinează viața scurtă și impactul uriaș al trupei originale Axeman, interpretată de Ozzy Osbourne.
Urmărește sau sari peste: „Teen Titans Go! și DC Super Hero Girls: Mayhem in the Multiverse” pe VOD, un film crossover masiv cu ~1 milion de personaje
Urmărește sau sari peste: Sonic the Hedgehog 2 pe Paramount+, o continuare mai captivantă, mai zgomotoasă, cu mai multă proprietate intelectuală și mai puține râsete
Finalul „We Own the City” explicat: Jon Bernthal, David Simon și alții răspund la întrebările tale arzătoare
Joy Behar o critică pe Sara Haines într-o conversație aprinsă despre controlul armelor de foc despre „opinii”: „Opriți sănătatea mintală!”
Festivalul de Film de la Cannes din acest an – primul an al celui mai admirat festival de film de pe planetă – a produs o mulțime de mici succese, bune și prețioase, iar eu aleg să atribui această insignifianță blocajului provocat de COVID, suspendând anul 2020. Anii de producție se reiau acum. Pentru umilul dumneavoastră critic, o listă aparent de top ar fi putut produce o capodoperă (privind la voi, epoca apocaliptică a lui James Gray) și multiple eșecuri care depășesc simpla răutate și se apropie de un atac moral (deși drama despre suferința persoanelor de culoare Tori și Lokita și thrillerul despre uciderea unei prostituate Holy Spider au în mod inexplicabil susținătorii lor). În mod tradițional, aceste premii sunt acordate filmelor greșite, cum ar fi satira amplă a lui Ruben Östlund, Triunghiul durerilor, în 2017, cu The Square. Printre proiecțiile mai înfricoșătoare de la un festival de film mediocru, sunt sigur că anul viitor va aduce, fără îndoială, blockbustere de la regizori de top.
Dar nu are rost să te plângi, nu când poți privi meditativ valurile ca safirul Mediteranei dimineața și să încerci să nu te simți jenat în timp ce te distrezi la un cocktail cu Julianne Moore seara. Cât despre filmul în sine, programele din bara laterală oferă momente deosebite, cum ar fi o călătorie uimitoare în corpul uman - nu vorbesc despre cel mai recent film al lui David Cronenberg, credeți sau nu - și imersiunea în silueta psihologică într-o fantezie luxuriantă. Unele dintre cele aproximativ 12 filme prezentate mai jos au deja obținut un contract de difuzare în cinematografele din SUA și vor fi lansate în 2022; altele nu au fost încă selectate și ar putea fi streameri majori în feed-ul frenetic al ofertelor de după vacanță. (Ai fi surprins câte dintre cele mai bune achiziții străine ale Netflix fac senzație la Palais des Festivals pentru prima dată.) Citește mai departe pentru o analiză a celor mai promițătoare 12 premiere din însoritul sud al Franței, unde cei mai buni își folosesc bine timpul stând încă înăuntru, în întuneric, ore în șir.
După ce împinge problemele tatălui său la marginea universului în „Astra”, James Gray își concentrează atenția asupra taților și fiilor într-o înregistrare personală mai solidă și imediată, în timp ce scrie pentru aceste memorii fictive - una dintre cele mai emoționante opere ale sale - recreând filmele newyorkeze din copilăria sa în cine știe cât timp. Tânărul evreu Paul Graff (Michael Banks Repeta, destul de descoperit) visează să-și transforme într-o zi graffiti-ul cu racheta într-o mare realizare a lumii artei, dar provocările vieții obișnuite îl țin ocupat: părinții (Anne Hathaway și Jeremy Strong, ambii în cea mai bună formă a lor) care vor să se odihnească la școală, un bunic iubit (Anthony Hopkins) care este precar și se transferă la o facultate privată cu tocilari de la Reagan. Gray redă totul în detalii fine (el și echipa sa au construit o replică la scară a fostei sale case pe platoul de filmare folosind filme de familie și fotografii vechi), mai emoționantă decât monologul sfâșietor datorită intimității sale. Sexul este mai emoționant decât monologurile sfâșietoare. E ca și cum ai spiona în memoria altcuiva.
În mod crucial, însă, Gray își vede alegerile de „mini-eu” prin ochii limpezi ai adulților. Nucleul moral al filmului este despre clasă socială – cum îl afectează pe Paul în moduri subtile pe care acesta nu le poate înțelege și cum părinții lui îl afectează în moduri pe care ar prefera să le ignore sau să le raționalizeze. Prietenia lui Paul cu o colegă de clasă de culoare (Jaylin Webb) este dulce și naivă, până când circumstanțele foarte diferite ale vieții lor îi împing în direcții opuse, iar vinovăția aparentă a lui Gray sugerează că acest dezacord s-ar putea să nu fie atât de pasiv. Cât despre părinți, aceștia își cântăresc constant principiile și practicile, abandonând școlile publice pe care pretind că nu le depășesc și îi privesc de sus pe cei pe care pretind că îi susțin. Gray refuză să șteargă ridurile tulburătoare ale unui trecut imperfect, iar onestitatea este cheia adevărului frumos în fiecare cadru al acestei plimbări pe un traseu al amintirilor, observate cu atenție.
Fiind cel mai popular titlu al festivalului, revenirea lui David Cronenberg în lumea horror-ului corporal pare o revenire într-un sens mai larg - un mare om născut din Muntele Olimp, amintind cum fac toți acești prefăcuți și posesori. Viggo Mortensen și Léa Seydoux interpretează o pereche de artiști performativi cu o performanță înfiorătoare: ea manipulează telecomanda unui aparat chirurgical, deschizând ușa spectatorilor în rochii și smokinguri, îndepărtând noile organe oribile pe care corpul său le-a produs. Sindromul Evoluției Accelerate. Fiind primul film artistic non-metaforic al lui Cronenberg, este atât tentant, cât și satisfăcător să proiecteze propria sa perspectivă asupra status quo-ului cinematografiei slabe și degenerate asupra personajelor sale și a pozițiilor lor (multe dintre Urechile sale altoite nici măcar nu pot auzi!). Imitatori în picioare care vând imitații ale stilului său.
Dar chiar și după o pauză de opt ani, Cronenberg continuă să ia cursuri singur. Metodele sale devin din ce în ce mai ciudate și mai îndepărtate de gama genurilor heterosexuale în care unii fani vor să-l integreze. Toată lumea (în special Timlin, glumețul interpretat de Kristen Stewart) vorbește în fraze baroce sau pasaje teoretice; „Contagion – ce e în neregulă cu ele?” este un favorit instantaneu. Textura filmului are un luciu reflectorizant plastic nefiresc, potrivit pentru o scenă de deschidere cu un copil care mănâncă într-un coș de gunoi. Lumea de mâine este literalmente și mental malnutrită, plajele grecești sunt pline de bărci ruginite cu un ușor gust distopic, iar materialele sintetice sunt sursa noastră supremă de hrană. Incredibil, Cronenberg a săpat în viața reală scriind acest scenariu înainte de recentul său articol din The Guardian despre microplastice, dar predicțiile sale vor deveni doar mai puternice pe măsură ce planeta alunecă mai departe în anii ei de amurg. În schimb, ar putea merge mai departe pentru totdeauna.
Apropo de corpuri și de potențialul terifiant al lor de a se comporta urât în moduri imprevizibile și dezgustătoare: Acest documentar de la Laboratorul de Etnografie Senzorială de la Harvard (ne prezintă excursia cu capul la pescuitul în adâncime, Leviathan) este o privire fără precedent asupra lumii minunate, alunecoase și lipicioase, pe care o considerăm de la sine înțeleasă în fiecare zi în mai multe spitale din Paris. Regizorii Véréna Paravel și Lucien Castaing-Taylor facilitează dezvoltarea de noi camere miniaturale capabile să capteze imagini de înaltă fidelitate din intestinul subțire și lumenul rectal, distingând între geometria pură avangardistă și intensitatea viscerală care scapă de la teatru. Da, nu poți uita niciodată scena de sondare uretrală în care o tijă lungă de metal este setată pe „modul Kalașnikov” și se izbește de uretra unei persoane sau să vezi un ac străpungând irisul celui mai curajos om care a curățat vreodată globii oculari de pe pământ. Dar dacă ești ca mine, mergând la fiecare film nou căutând să arăți ceva ce nu ai mai văzut până acum, nu există o garanție mai bună decât asta.
În plus, nu este vorba doar de o simplă exploatare grosolană. Am aflat că funcțiile spitalului în sine sunt la fel de complexe și interconectate ca și corpul uman, diverse organe funcționând în armonie. În timpul stimulării prostatei, auzim un chirurg certându-și asistentele și asistenții pentru probleme care nu țin de controlul său, un semn de întrebare adus problemelor legate de subfinanțare și personal insuficient, care preocupă atât de mult americanii în acest moment. Paravel și Castaing-Taylor s-au interesat foarte mult de activitățile de bază ale acestor instituții mari, cele mai interesante imagini provenind dintr-un punct de vedere al unei capsule de transfer de fișiere care călătorește printr-o rețea de tuburi pneumatice care traversează clădirea cu viteză warp. Secvența finală de dans - perfect setată pe „I’ll Survive” - este ca un tribut adus la ceea ce o persoană obișnuită crede despre clasa muncitoare, ca și cum propria inimă ar bătea involuntar, ceea ce este invizibil pentru continuarea vieții esențiale până când ne oprim și ne gândim cât de uimitor este că putem merge mai departe.
EO (pronunțat aa, vă recomand din toată inima să-l spuneți cu voce tare de câteva ori până acum) este un măgar și, ei bine, un băiat foarte bun. Primul film al guru-ului polonez Jerzy Skolimowski, în vârstă de 84 de ani, în ultimii șapte ani, urmărește măgarul care nu renunță în timp ce face lucruri la țară, supraviețuind mai ales și fiind martor la calvar. Dacă sună ca o parodie a sofisticării profunde a academiilor de artă europene - la urma urmei, este un remake liber al clasicului din 1966 Au Hasard Balthazar - nu vă lăsați descurajați de minimalismul rece. Este o sărbătoare pură, la fel de relaxantă și meditativă ca lacul înghețat, cu o cadru uluitor atârnat cu susul în jos, transformând copacii în zgârie-nori puternic reflectorizanți. Un joc de cameră expresiv și uimitor însuflețește această minune de 88 de minute, intercalată în mod regulat cu stroboscoape în stil EDM și experimente cu balamale roșii.
Nimeni nu subestimează farmecul fundamental al starului cu patru picioare, uniți de șase actori animalieri în puritatea lor neîmpodobită, asemănătoare cu cea creștină. EO mănâncă morcovi. EO întâlnește niște huligani de fotbal care cred că iarba care îl umple cu bere și puști va fi un gaz otrăvitor. EO a ucis un om! (Iată-l că vine. Niciun juriu nu-l va condamna.) E greu să nu-l iubești pe EO sau să te dedici aventurilor nefericite ale vagabondului, unde rătăcește în principal ca un observator distant. Luate în ansamblu, diversele episoade ale filmului zugrăvesc o imagine a Poloniei aflate într-o criză spirituală, de la ireproșabilă Isabelle Huppert, ca mamă vitregă excitată, până la un preot concediat pe neașteptate, manifestat. Dar este la fel de ușor să te delectezi cu energia calmantă emanată de noul nostru erou măgar și de peisajul natural prin care ne conduce încet, dar sigur. EO pentru totdeauna.
După ce a primit aprecierea criticilor și mii de fani pentru munca sa la „Normal”, Paul Mezcal a jucat în Anna Ross Holmer și Sarah Davis din 2016. , primul film puțin cunoscut de la The Fits încoace, își susține convingătorul statut de vedetă de cinema. Cu un farmec vesel, Bryan, fiul risipitor al lui Mezcal, ascunde urâțele de sub ea în timp ce se întoarce în satul de pescari irlandez pe care l-a abandonat cu ani în urmă pentru un nou început în Australia. A vrut să se întoarcă la activitatea de recoltare a stridiilor din oraș, dominată de fabrica locală de fructe de mare, așa că a convins-o pe mama sa, care lucra acolo (Emily Watson, care a oferit un spectacol grozav la festival), să-și proiecteze singur câteva capcane. Ea are încredere că el nu poate face nimic greșit și este fericită să-i accepte micul plan, ușoara ei relaxare a moralității, care va fi în curând pusă la încercare de mize mai mari.
Apoi s-a întâmplat ceva oribil, cel mai bine e să nu fie dezvăluit, punând cele două vedete una împotriva celeilalte într-o demonstrație de performanță neobișnuit de profundă, cu Watson sclipind, bănuind că ar prefera să mănânce. Davies și Holmer (scenariul devastator al lui Shane Crowley și Fodhla Cronin O'Reilly le-a ghidat impresia despre Irlanda) lasă presiunea osmotică să crească și să crească până la o intensitate insuportabilă, arzând într-un punct culminant șocant. Asta ne lasă cu întrebări tulburătoare despre cum ne comportăm în aceeași situație. În tot acest timp, ne putem bucura de cinematografia superbă a lui Chayse Irvin, găsind surse inteligente de lumină în multe scene nocturne și un luciu aspru în lumina gri a zilei. El face tot posibilul să filmeze toate apele amenințătoare, interzise, care se învârt în jurul acestei drame morale, un gol negru ca smoala care se întinde la infinit, precum adâncurile sufletului uman, fără compromisuri sau milă.
Ar fi o prostie din partea Netflix să nu-i fure debutul regizoral lui Lee Jung-jae, cunoscut mai ales pentru rolul din blockbusterul lor „Squid Game”. (Pune-l în tubul tău Algorithmic Synergy și fumează-l!) Ambițios, șerpuitor, isteric violent, apasă multe dintre butoanele pe care Big Red N le iubește în celelalte originale post-fact și îl folosește suficient de mare - superb ca scară - pentru a exploda micul ecran în care ar putea trăi într-o zi. Epicul de spionaj are loc într-un moment deosebit de tumultos din istoria Coreei de Sud, când o dictatură militară a reprimat protestatarii, iar tensiunile acestora au izbucnit din nou cu vecinul său ostil din nord. În mijlocul haosului, un joc de-a șoarecele și pisica a izbucnit în cadrul CIA din Coreea de Sud, șeful departamentului de externe (Lee Jung-jae, care servea concomitent) și șeful departamentului intern (Jung Woo-sung, care a apărut deja într-o astfel de situație) în drama web „Steel Rain” și Iran: The Wolf Brigade) se întrec să adulmece cârtițele pe care amândoi le cred... se ascund în echipa adversă.
Pe măsură ce ancheta lor traversează o serie de piste false și fundături, culminând cu un complot de asasinat prezidențial, doi agenți de elită fac brainstorming împreună pentru a se înălța pe un plan în mod divin. Nu pot sublinia îndeajuns numărul mare de morți din cele două ore și jumătate ale filmului, ca și cum Lee ar fi fost obligat contractual să arunce în aer cel puțin 25 de persoane în fiecare scenă. El orchestrează aceste simfonii de carnagiu cu expertiză de modă veche, menținând CGI-ul la minimum și maximizând pachetele de squib-uri în asemenea număr încât industria să rămână profitabilă pentru anii următori. Scenariile labirintice necesită fiecare grăunte de atenție, iar cerințele de durată sunt atât de mari, dar cei care nu sunt derutați de convoluție pot gusta mostrele neobișnuit de brute din filmele cu spionaj. (Și cei care se pierd pot fi totuși scăldați în sânge.)
E un film cu adevărat ciudat, omule: documentarul HBO despre David Bowie, regizat de Brett Morgan, nici măcar nu se încadrează în această simplă descriere, e mai degrabă un colaj rapid de imagini și referințe, ca un sistem solar care se învârte în jurul celui mai fascinant muzician din istorie. Primele minute trec printr-o serie de colaje de clipuri care îl prezintă nu doar pe extraterestrul art-rock însuși, ci și orice indicii care ne-ar putea oferi întregul său background gestalt indescriptibil. Pe lângă videoclipul „Ashes to Ashes” sau interpretarea live a piesei „All the Young Dudes”, putem surprinde și indicii din clasicele filmelor mute, precum Nosferatu (un outsider subțire, temut de oamenii obișnuiți), Metropolis (un Bowie la Berlin, minimalismul industrial german, favorizat de vremuri) sau Dr. Mabus the Gambler (un alt artefact de la Weimar despre un om care poate vrăji publicul său). Chiar dacă aceste conexiuni par fragile, le putem face semnificative și putem elimina orice perspective pe care le obținem din aceste teste Rorschach ale culturii pop.
Pe măsură ce filmul se desfășoară în cele două ore și jumătate, ce-i drept extra-lungi, trece de la experimental la rutină. Prima oră se concentrează pe teme generale, cum ar fi bisexualitatea lui Bowie sau sensibilitățile sale vestimentare, iar restul sunt aranjate cronologic, purtându-ne prin șederile din Los Angeles și Germania de Vest, relația sa cu căsătoria supermodelului Iman, iar punctul său de cotitură din anii '90 a fost populismul. (Flirtul său cu cocaina este însă omis, cu respect.) Aceste secțiuni oferă un curs intensiv util pentru începătorii în lumea lui Bowie, iar pentru cei deja pricepuți, este o revizitare a unora dintre cârnații înghețați pe care îi face de bunăvoie. Zeci de... Coperta completă de 5 ani a lui Morgan despre o vedetă rock nu are multe dezvăluiri majore, dar modalitățile liber-asociative pe care le abordează pot totuși revigora un mister care oricum nu se va demoda.
Fiecare film românesc spune cât de groaznic este să trăiești în România, o țară cu un guvern corupt, o infrastructură publică disfuncțională și săteni morocănoși de ură. Cel mai recent film al fostului câștigător al premiului Palme d'Or, Cristian Mungiu, care rămâne singurul regizor din țară care a câștigat marele premiu al festivalului, se concentrează pe ultimul film. Într-o mică comunitate izolată de undeva în Transilvania, o oală sub presiune exclusivistă este în pericol să explodeze odată ce niște migranți srilankezi vin în oraș pentru a lucra într-o brutărie locală. Reacția locuitorilor a sunat ca un flux de conștiință rasistă pe care americanii l-ar înțelege ca fiind rude apropiate ale ideologiei trumpiste: au venit să ne ia locurile de muncă (niciunul dintre ei nu s-a obosit să le ia pe ale lor), au vrut să ne înlocuiască, sunt agenți ai unor puteri străine rău intenționate. Imagini uimitoare, unice, din timpul unei adunări locale, dezlănțuie un râu de bilă, iar masca logicii coboară încet, pe măsură ce cetățenii recunosc că pur și simplu nu vor să vadă pe nimeni diferit.
Dacă sună ca o bătălie jalnică și dificilă, există suficientă forță ideologică și fotografie rece și magistrală pentru a captiva chiar și cei mai epuizați participanți la festival. Mungiu ne poartă prin păduri înzăpezite și drumuri pavate cu pământ, fotografiindu-le pe toate într-un mod detașat, care poate evoca imagini de frumusețe la fel de ușor ca și de urâțenie. Intriga este mai înfloritoare decât ar putea sugera asediul politic. Urșii sunt o parte importantă a lucrurilor, la fel ca și violoncelul unui proprietar de brutărie. În centrul unui film cu principii partizane puternice, ea este, de asemenea, parte a unei dileme morale, iar altruismul ei față de imigranți ar putea fi o perdea de fum pentru a exploata ceea ce ea consideră, în cele din urmă, forță de muncă ieftină. Nimeni nu a ieșit deosebit de bine din acest film, un pesimism puternic și fără compromisuri pe care nu l-am putut obține din producția cinematografică de la Hollywood sau, de altfel, din circuitul indie american. O Americă ca aceasta nu va exista niciodată, deși patologiile naționale sunt atât de similare încât am putea la fel de bine să ne uităm într-o oglindă spartă.
Luați satira lumii artei, unde toată rivalitatea, resentimentele meschine și disperarea absolută sunt implicite și reduse la termenii cu cel mai mic risc imaginabil. În plus, Michelle Williams este probabil cel mai bun rol al carierei ei. Apoi, eliminați cât mai multă acțiune pe care scenariul o poate susține fără a o întrerupe, ca și cum ar fi pentru publicul care a găsit prea captivant lungmetrajul anterior al regizoarei Kelly Reichardt, „First Cow”. Publicitatea a fost făcută. Aceasta este lungimea acestui portret delicat al unei femei care se confruntă cu limitele talentelor sale într-un domeniu care pare să nu aibă nicio legătură cu ea. Williams o interpretează pe Lizzy Carr, o mică sculptoriță de la Institutul de Arte și Meserii din Oregon, acum desființat, care încearcă să se alinieze cu viitoarea expoziție, dar ceea ce vede este că distragerile sunt peste tot: proprietarul/prietenul ei (Hong Chau, din ce în ce mai bun primul decât cel de-al doilea) nu-i va repara încălzitorul de apă, un porumbel rănit are nevoie de îngrijirea și atenția ei constantă, condescendența calmă a artistei în vizită o înnebunește.
Însă geniul tragic al lui Reichardt constă în sugestia sa că Lizzy s-ar putea să nu fie sculptată pentru asta. Sculpturile ei nu sunt rele, nu ard pe o parte atunci când cuptorul se încălzește neuniform. Tatăl ei (Judd Hirsch) este un olar apreciat, mama ei (Marian Plunkett) conduce departamentul, iar fratele ei instabil mintal (John Magga) Law are scânteia de inspirație pentru care Lizzie trebuie să lupte. Expoziția de la Galeria Climax - deși folosește chiar și cuvântul „Climax” pentru a descrie un film atât de hotărât discret și cool în atmosfera unui oraș universitar de pe Coasta de Vest - s-a desfășurat ca o farsă ușoară, micile insulte ale vieții ei fiind îngrămădite una lângă alta în timp ce ea îi șuieră fratelui ei să o lase să se relaxeze după brânza gratuită. Pentru Reichardt, profesorul Bard de lungă durată, ironia propriei aproximări este mai degrabă sufletească decât caustică, caracterizată de o anumită apreciere pentru orice decor care le permite excentricilor ambițioși să fie ei înșiși în propriul lor timp.
Cea mai bună secvență de credit aparține acestei psihodrame din cel mai bine păstrat secret al Poloniei, Agnieszka Smoczyńska, care își face prima incursiune cu succes în limba engleză. Fiecare nume este citit cu voce tare și apoi comentat de mai multe voci adolescente, mormăind „Oh, ador acest nume!” De exemplu, fața zâmbitoare a lui Michael apare pe ecran. Nu este doar un punct bun. Aceasta este o introducere în universul Lonely Island creat și locuit de June (Leitia Wright) și Jennifer (Tamara Lawrence) Gibbons, o pereche de fete de culoare care au trăit literalmente în Țara Galilor în anii '70 și '80. Refugiindu-se în relația lor și căzând într-o stare de reticență selectivă într-un mic sat al albilor, retragerea lor discretă din împrejurimi le conduce în cele din urmă în haosul tragic al Azilului Broadmoor. În această narațiune autentică, Smoczyńska și autoarea Andrea Seigel explorează interioritatea psihologică neobișnuită pe care o împărtășesc fetele, imaginându-și cum s-ar putea simți astfel de experiențe extreme din interior spre exterior.
Așa cum trebuie să fie și pentru fete, pauza de realism orbitor într-un mod pe care monotonia vieții lor de zi cu zi nu îl poate egala. Imaginile stop-motion extrem de mototolite prezintă figuri cu capete de păsări rătăcind prin dimensiunile hârtiei creponate și fetrui, iar figurile muzicale ocazionale transmit starea interioară tulburată a surorilor într-un limbaj declarativ, un cor grecesc. (La fel ca în strălucitul spectacol cu sirene ucigașe și stripteuze al lui Smoczyńska, The Lure, din Polonia.) June și Jennifer își imaginează intrând într-un sanctuar saturat de culori, unde totul poate fi perfect, până când lovitura de grație revine la viața reală și suntem în stare de șoc. În realitatea romantică, atletele încearcă să facă gimnastică cu fete din adăpost după ce le încurajează. Pe măsură ce situația lor comună se deteriorează și instanțele le separă, nu putem vedea decât forțe ostile distrugându-le refugiile private, o serie de sărituri înapoi formale care au apărut pe fondul comentariilor despre lipsa serviciilor de sănătate mintală din Marea Britanie.
Mad Max este acum în retrovizoare, iar George Miller revine cu acest basm modern improbabil despre un bărbat pe nume Alicia Binney (Tilda Swinton, în formă maximă) și Duhul (Idris Elba, Splendid și Uriaș) pe care tocmai îl eliberase din sticla pe care o dobândise de la Bazarul din Istanbul cu o zi înainte. Știți cum funcționează, el este aici pentru a-i îndeplini cele trei dorințe și a o lăsa să le folosească cum vrea, dar pentru că și ea cunoaște procedeul, nu este dispusă să cadă în niște capcane „prudente”. Pentru a o convinge de bunăvoința lui, a născocit o poveste fantastică despre cum și-a petrecut ultimele trei milenii, o extravaganță CGI care, în orice moment, depășește majoritatea proiectelor de studio de acest gen pe întreaga sa durată. Se poate apela la mai multă imaginație. De la castelul Reginei din Saba până la curtea Împăratului Soliman Magnificul, magia, intriga și pasiunea traversează călătoriile prin Orientul Mijlociu antic.
Însă această călătorie minunată are o destinație neașteptată care culminează cu subtila poveste de dragoste dintre aceste două persoane rătăcite, cu aceleași idei. Ei își scapă de singurătate împărtășind bucuria povestirii, iar structura narativă imbricată a lui Miller îi face să facă un efort suplimentar. După cum a explicat Alithea într-o conferință academică de la începutul filmului, inventăm mituri pentru a da sens lumii enigmatice din jurul nostru, iar Miller a realizat o performanță considerabilă combinând acest sentiment de admirație cu... Simțul invenției aduce cunoaștere într-o lume modernă sufocată de tehnologie. Desigur, cineaștii nu sunt luddiți; pasionații de efecte vizuale vor fi captivați de utilizarea perspicace a înfrumusețărilor digitale și a creațiilor la scară largă, fie că este vorba de imagini uimitoare în care urmărești o sticlă în ocean din gheara unei păsări sau transformi-te într-un păianjen în stil Gigeresc. Combustibilul instantaneu de coșmar al asasinului mutant se dizolvă apoi într-o baltă de scarabei.
Riley Keough i se alătură Ginei Gammell în scaunul regizoral pentru un început de bun augur pentru următoarea fază a carierei lor. (Cei doi au deja un alt proiect comun în lucru.) Au renunțat la orice urmă de vanitate hollywoodiană, iar tribul Oglala Lakota își câștigă existența din viața din jurul acestei rezervații neorealiste Pine Ridge din Dakota de Sud. Pot. Pentru copilul local Matho (LaDainian Crazy Thunder) și Bill mai mare (Jojo Bapteise Whiting), asta înseamnă în mare parte furtul și vânzarea de droguri, traficul de cantități mici de metamfetamină, lucrul la fermele și fabricile de curcani din apropiere sau vândurea de pudeli prin reproducere pentru a juca jocul mai mult timp. Când nu ai bani să faci nimic, nu mai rămâne nimic de făcut, un fapt înțeles de majoritatea filmelor care se mulțumesc să petreacă timp cu tinerii, căutând doar ceva cu care să-și umple timpul liber.
Dacă sună ca și cum outsiderii Keough și Gammell romantizează excesiv sărăcia sau se îndreaptă în direcția opusă, a exploatării, mai gândiți-vă; după scenariștii Bill Reddy și Franklin Sue Bob (ghidați de Sioux Bob) și o distribuție de locuitori reali ai Pine Ridge, ei înșiră cu abilitate identificarea cusăturilor tonale dificile, fără a se concentra pe tonurile dificile. Aceste personaje trebuie să se confrunte cu o mulțime de mizerii din partea adulților din jur - tatăl ocazional abuziv al lui Mato, șeful alb al lui Bill - dar, la fel ca tinerii din viața reală, odată ce pot continua să iasă și să facă farse, mizeria va veni de pe spatele lor cu prietenii lor. Un punct culminant detașat reafirmă cele mai josnice intenții ale filmului de a celebra și împuternici oamenii marginalizați de o societate dominată de albi, care îi privește cu dispreț atunci când îi ia în considerare. Creierele regizoriale Keough-Gammell sunt aici pentru a rămâne și, sperăm, la fel și colaboratorii lor carismatici, cel mai cunoscut actor laic pe care l-am văzut de la The Rider al lui Chloe Zhao.
Data publicării: 02 iunie 2022
